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David Moragas: «Una película en los márgenes te da libertad creativa»

David Moragas durante su paso por el Festival de Málaga

Hoy se estrena en cines A Stormy Nightla ópera prima del realizador catalán David Moragas tras su aplaudido paso por diferentes festivales. La película trata el encuentro entre dos desconocidos que han de compartir techo durante plena tormenta en la ciudad de Nueva York.

Cuando vi el cartel de A Stormy Night, entre los que tapizaban la pared del Cine Albéniz el pasado Festival de Málaga, tan elegante, tan clásico, tan propio de una comedia romántica del Woody Allen que merece la pena ser recordado, pensé inmediatamente que era uno de los largometrajes que no debía perderme en esa edición. Apenas doce horas después del visionado, su  director, David Moragas, de 27 años, me sorprendió al revelarme su edad al entrevistarlo en el Málaga Palacio. Su película, la cual dirige, escribe y en la que también actúa, es reflexiva, sutil, mínima. Todo un ejercicio de voluntad frente a medios y tiempos precarios.

P. Empezamos con la pregunta estándar. ¿Qué te mueve a lanzarte a dirigir tu ópera prima?

R. La necesidad de contar historias como forma de comunicarme con el mundo. El cine para mí siempre ha sido una labor más. Recuerdo que, cuando era un niño, iba a la panadería y me fascinaba el hecho de que el panadero se levantara tan temprano para ofrecer un servicio necesario. Así entiendo el cine, como una pieza más del ecosistema de útiles con el que nos ayudamos unos a otros. Lo que me hace lanzarme entonces a hacer mi primera película es la necesidad de aportar algo a la sociedad como cineasta.

P. A parte de dirigir A Stormy Night, también la has escrito y formas parte del tándem protagonista junto a Jacob Perkins. ¿Esto responde a un acto de osadía o a la necesidad de reducir los costes de un presupuesto limitado?

R. Yo valentía tengo muy poca, así que responde, cómo no, a la necesidad. Lo que sí tengo es una constelación de amigos siempre con ganas de trabajar y contribuir al cine. Sabíamos que íbamos a tener unas circunstancias diferentes y que no iba a ser muy fácil conseguir que un actor español se moviera hasta Nueva York para rodar con tan poco presupuesto. Que yo actúe, por tanto, surge de la limitación de recursos. Ya lo había hecho antes, en algunos cortos, con el mismo director de fotografía y otras personas del equipo, por lo que ya estaban hechos a esta idea. Así que como a nadie le pareció raro y como me gusta, acabé interpretando a mi propio personaje.

P. Llama la atención que utilices una estructura tan clásica como la de las tres unidades aristotélicas para hacer una comedia romántica en un tiempo en el que este recurso se utiliza para temáticas más sórdidas y opresivas.

R. Esto también surge de la necesidad de gestionar bien nuestros recursos, de plantearme cómo podía contar una historia ajustada a una localización única, mínima, pero aprovechada al máximo. En mis cortos ya tendía a esto y tanto profesores como productores me decían que no valdría para un largo porque el ritmo se vería afectado. Confieso que me piqué y quise demostrar que sí se puede crear una película entretenida y dinámica que respondiese a estas características.

P. Supongo que también te vino bien para darle cierto aire de sitcom.

R. Totalmente. Una de las mayores lecciones que se aprenden de las comedias de situación es que el guion lo es todo, la fuerza motora que da sentido. Esto es muy importante porque cada vez veo más esta tendencia de los realizadores jóvenes que acaban la carrera y piensan que pueden hacer un largo sin un guion hermético, improvisando diálogos… Y sí, claro que se puede, pero eso no es jauja, conlleva que tengas también que adecuarte a unos códigos muy específicos. Sin embargo, lo que yo valoro de las sitcoms clásicas es que un buen guion puede ajustarse a todo a través de las palabras.

P. Durante el festival, hemos podido ver a Raúl Arévalo algo incómodo cuando tiene que hablar en inglés en Black Beach, con un acento marcadísimo, muy rudo. Sin embargo, tú te pasas toda la película hablando en este idioma con un acento muy depurado y con mucha fluidez. ¿Esto venía de antes o tuviste algún coach durante el rodaje?

R. Pues al haberme pasado tres años viviendo en Estados Unidos, mi acento de por sí está bastante americanizado, pero precisamente tuvimos que hacer por que estuviera más marcado. Así que, aunque te parezca refinado, aún dista bastante de cómo lo pronuncia un nativo. En cualquier caso, la verdad es que alcanzar un buen nivel de inglés sigue siendo una asignatura pendiente en España, más allá del acento, que es lo de menos. A mí me encanta que haya diferentes musicalidades para un mismo idioma.

P. Eres un enamorado de las comedias románticas. Te has declarado en varias entrevistas como un fan de Notting Hill. Sin embargo, tiene unas pausas, una letanía, una profundidad y unos guiños en los diálogos que muchas de las películas mainstream de este género no poseen. Incluso hay ciertos planos escorzados que, con el blanco y negro, te llevan a pensar en el expresionismo alemán. Me parece una película muy europea, pese a que el marco es Nueva York.

R. Qué bonito que hagas referencia a esto. Al hacer una ópera prima, para mí era muy importante homenajear a todas las películas que me han influido hasta ahora. Es verdad que parto de un género específico, el de la comedia romántica, sobre todo para el guion. Lo tengo muy interiorizado a nivel de estructura, construcción de personajes, con ese meet cute tan característico, etc. Pero, al mismo tiempo, bebo también de elementos de otros géneros y de las mutaciones de la misma comedia, porque no es lo mismo una película de Richard Curtis con Hugh Grant que una de Hong Sang-soo. Y luego están también las referencias de la gente que trabaja contigo y que se encarga de cada departamento y de las que también se va a nutrir la película. Por ejemplo, el director de foto, Alfonso Herrera Salcedo, tiene su propio código, y su trabajo está asociado a proyectos un tanto oscuros. De ahí que tú extraigas motivos propios del terror de la Hammer aunque el tono general sea otro a priori.

P. Hay un momento en el que enmarcáis el plano de tal manera que se pone el foco de atención en una puerta abierta que da a la baranda de una escalera, la cual cruza el encuadre trazando una diagonal casi perfecta dando así muchísimo protagonismo a la geometría de la casa. Me recordó mucho a Hopper y a su retrato de los espacios habitados y, al mismo tiempo, vacíos.

R. Lo bueno de hacer una película un poco al margen de la industria es que te permite hacer lo que te dé la gana, te da libertad creativa sin tener que rendir cuentas a ninguna fuerza superior. Eso es un placer. En ese tramo de la historia le dije a Alfonso que lo quería era que todo ocurriera fuera de campo y que los personajes estuvieran lugares distintos para que, a través del diseño sonoro y de la situación, pudiéramos mantener una escena muy larga tan solo con esa composición tan bonita que has descrito. Son licencias que sólo te da el hacer sacado adelante la película de manera independiente.

P. Como ya hemos dicho, tuviste que partir tu mente en dos durante el rodaje para poder compaginar la dirección con la actuación. ¿Te resultó difícil mantenerte en ambos roles?

R. Lo realmente difícil es partir tu mente en tres, porque a esos dos roles sumamos un tercero que es la de ser amigo de la gente con la que trabajas. Date cuenta de que en este tipo de proyectos mantener una unión fraternal dentro del equipo es muy importante porque si no corre el riesgo de desmoronarse. Afortunadamente, creo que esa conjunción se resolvió bien y pudimos divertirnos mucho. Era guay poder estar actuando en calzoncillos y acto seguido, con la misma vestimenta, estar dando órdenes a tu equipo. También disfrutamos mucho con el efecto práctico de simular la lluvia, con todo el mundo tirando agua desde las ventanas.

P. Presentas a unos personajes en las antípodas a nivel emocional. El que interpreta Perkins representa la estabilidad y la fidelidad, mientras que el tuyo va más acorde con nuestro tiempo acelerado y las relaciones casuales. Es un guiño generacional directo a cómo los millennials disfrutamos de las ventajas que nos dan las aplicaciones de citas pero, al mismo tiempo, anhelamos de vez en cuando algo más duradero al estilo de nuestros padres.

R. Esto viene de que intento explorar en mis guiones asuntos que realmente me importan y muchas veces surgen de conversaciones cotidianas que puedo tener con mis amigos tomando algo. Que sea generacional es algo inercial, porque al fin y al cabo los que hemos creado esta obra somos un equipo de gente muy joven. Cada personaje representa las diversas formas que tengo de ver la realidad, de reflexionar sobre las cosas que me ocurren, pero de una manera mucho más ordenada.

P. Por último, me gustaría detenerme en un detalle. Tu personaje exhibe una camiseta con la cara de Slavoj Žižek durante varios momentos del metraje. ¿Qué espacio puede ocupar en una rom-com un filósofo que se caracteriza por un criticismo cínico?

R. Siempre se hace un trabajo de investigación previo a la hora de lanzarse a hacer una película, y Žižek tenía unos textos muy bonitos sobre el amor y las relaciones de pareja, aparte de todos los documentos fílmicos que aparecen en su Guía de cine para pervertidos. Recuerdo una frase en particular, la cual tuvimos muy presente en cuanto a la dirección de actores, que venía a decir algo así como que cuando tienes motivos para amar a una persona, dejas de amarla. Además, él vino a dar una charla a la universidad que no tenía nada que ver con el cine pero que sumó para que su figura estuviera todavía más presente. Y, sobre todo, me cuadraba que mi personaje, Marcos, lo utilizara como un tópico más dentro de su personalidad de alguien que aparenta saber más de lo realmente sabe. Me parecía divertido, patético, que llevara una camiseta de Žižek porque si yo me encontrara con un tío así pensaría que es un pretencioso. Creo, ya para acabar, que Žižek es una figura muy romántica, un tipo que le pone mucho amor a lo que hace y que por eso tiene cabida en un relato como este.

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